SOPHIA ASHRAF

EIGHT FANG

Sie können die Künstlerinnen auch im Laufe der Ausstellung treffen:

Samstag
12-15 Uhr Sophia Ashraf
15-18 Uhr Luana Cloșcă

Sonntag
12-15 Uhr Delphine Wigger
15-18 Uhr Eight Fang

Wir freuen uns auf Ihren Besuch!

SOPHIA ASHRAF

LUANA CLOȘCĂ

EIGHT FANG

DELPHINE WIGGER

Der „Pas de Deux“ bezeichnet im klassischen Ballett ein Duett, das meist den zentralen Moment des Stücks bildet. Die Ausstellung überträgt die Bezeichnung auf das Zusammenspiel zweier Positionen, die sich entlang der Figurationen in den Räumen der Galerie entfalten. Es entsteht eine eigene Dynamik, getragen von voneinander abweichenden und zugleich synchronen Bewegungen im Bildraum. Das Verhältnis der beiden Positionen bleibt bewusst offen. Nähe entsteht durch Gleichzeitigkeit, nicht durch Übereinstimmung; Differenzen werden nicht nivelliert, sondern ausgestellt. Beziehung erscheint hier weniger als Harmonie denn als Spannungszustand zwischen eigenständigen Setzungen. „Pas de Deux“ bezeichnet damit keine choreografierte Einheit, sondern zwei sich separat entfaltende Malweisen im selben Raum. Das Verbindende liegt im Nebeneinander und Gegenüber, im Dazwischen und in der Möglichkeit, Zusammenhänge wahrzunehmen, ohne sie festzuschreiben.

Die Malerei von Viola Del Monte bewegt sich zwischen Nähe und Distanz, zwischen Sehen und Gesehenwerden, und untersucht die Ambivalenz menschlicher Zustände in unterschiedlichen Zonen der Wahrnehmung. Ausgehend von der industriellen Glätte von Luxusobjekten und der fragilen Materialität des Körpers entstehen Bildräume, die zu Projektionsflächen werden. In der Black Series wird beispielsweise die Karosserie des Autos zum Konstrukt eines verdichteten Interaktionsraums.Synthetische Glätte, malerische Materialität und prozessuale Bildhandlung oszillieren zwischen

Oberfläche und Tiefe und verschieben dabei fortlaufend die Perspektive auf das Dargestellte.

In den Bildern von Nele Napiwotzki sind Akteure aus der Commedia dell’arte und anderer Kapitel der Bildgeschichte sowie Anspielungen auf verschiedene märchenhafte Erzählungen zu sehen. Neben den Darstellungsweisen einzelner Figuren und Figurenkonstellationen richtet die Künstlerin ihr Augenmerk auf Ornamente, die sich in Kleidung und Stoffen, Landschaften und Dekorationen der ‚Theaterbühnen‘ ihrer Protagonisten finden. Nicht zuletzt sind es Momente des Schwebens, welche die ruhigen Malereien wie Traumbilder einer vergangenen Zeit erscheinen lassen.

Del Monte | Napiwotzki

Today you will be with me in paradise*

Wollen wir noch einen Moment bei meinem Versprechen verweilen und bei dem, was ich zu bieten habe? Es besteht aus allem Begehrenswerten – nackt, jung und schön – das nichts anderes zu tun hat, als Ihre Augen zu erfreuen. Geschwungen und sinnlich, kostbar, ewig liegend. Das wahre Paradies, dem es nie an Potenz mangelt. Es gibt diese Version des Paradieses, die man nur in der Abwesenheit findet. Kein Leid, kein Mangel, keine Krankheit, kein Konflikt. Keine Menschen, keine Objekte, kein Geschlecht. Es gibt diese Version des Paradieses, die ewig still ist – keine Zeit, kein Ort, keine Bewegung: Unbestimmtheit. Und es gibt jene Version des Paradieses, in der das Licht gedimmt und die Bettwäsche frisch ist. Und ein schöner, junger Prinz verirrt sich im Wald. Ganz allein und so jung und schön. Und wie schade, dass niemand da war, um ihn zu finden, niemand, um ihn zu sehen, niemand, um ihn zu beobachten.

Im Kern ihrer jeweiligen malerischen Praxis setzen sich Luana Cloșcă und Delphine Wigger mit den Mechanismen des Begehrens auseinander. Ob es sich nun um Machtstreben oder Erotik handelt, beides unterstreicht eine zirkuläre Struktur: Die ästhetische Form projiziert Begehren auf den Betrachter, während dieser gleichzeitig seine eigenen Wünsche auf die Form zurückprojiziert.

Luana Cloșcă wendet sich der Figur zu und verweist auf eine kunsthistorische und literarische Vergangenheit. Die Erfüllung ihres Werks liegt in den potenziellen Vorurteilen und Annahmen, die ein Betrachter einem erkennbaren Bild entgegenbringt.

Delphine Wigger hingegen lädt Objekte und Sprachfragmente mit einer subtilen erotischen Provokation auf und konzentriert sich auf Objekte, deren einzige Funktion darin besteht, Erfolg zu signalisieren, anstatt einem praktischen Zweck zu dienen.

Die formale Zurückhaltung beider Praktiken erzeugt zusammen mit ihren räumlich minimalistischen Kompositionen eine unterschwellige Spannung. Das in den Werken verstreute erotische Potenzial tritt weder unmittelbar noch explizit zutage; vielmehr wirkt es als Projektion, geprägt von überlieferten Tropen des Sinnlichen in der Geschichte von Literatur und Bildgestaltung.

Cloșcă | Wigger

* Lukas 23:42

BEGLEITPROGRAMM

Fr., 27.2., 18 Uhr | Führung durch die Ausstellung
mit Luana Cloșcă und Delphine Wigger

Fr., 4.3., 18 Uhr | Viola-Konzert
mit Anna Jurriaanse

Fr., 6.3., 18 Uhr | Finissage mit Lesung
mit Milana Alaro, Maria Persu und Irina Tacu. 

Fotos: Cora Waschke
© DKS

Today you will be with me in paradise*

Can we linger a little longer on my promise, and on what it is that I can offer? It is made of all things desirable – bare, young, and beautiful – with nothing to do but appease your eyes. Curved and sensual, precious, ever-laying. The precise paradise that never lacks in potency. There is this version of paradise that you can only find in absence. No suffering, no scarcity, no disease, no conflict. No objects, people, no gender. There is this version of paradise that is ever still – no time, no place, no movement: non-specificity. And there is that version of paradise where the lights are dim and the bedsheets clean. And a young, beautiful prince gets lost in the woods. All alone and all so young and beautiful. And what a pity there was no one to find him, no one to see him, no one to watch him.

At the base of their painterly practices, both Luana Cloșcă and Delphine Wigger engage with the mechanisms of desire. Whether the urge is one for power or eroticism, they underline a circular structure: aesthetic form casts desire onto the viewer – while the viewer simultaneously projects their own desires back onto the form.

Luana turns to the figure, referencing an art-historical and literary past, locating the fulfillment of her work in the potential biases and assumptions a viewer brings to a recognizable image.

Delphine, by contrast, charges objects and linguistic fragments with a subtle erotic provocation and focuses on objects whose sole function is to signal achievement rather than to serve any practical purpose.

The formal restraint present in both practices, together with their spatially minimal compositions, generates a muted tension. The underlying erotic potential scattered throughout the works does not surface immediately nor appear explicitly; rather, it operates as a projection shaped by inherited tropes of the sensual within the histories of literature and image-making.

Cloșcă | Wigger

* Lucas 23:43

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Meet the Artists: Fr., 21.11.2025 | 15 – 19 Uhr | mit allen Stipendiatinnen 2025/2026
Meet the Artists: Mi., 10.12.2025 | 16 – 19 Uhr | mit Viola Del Monte & Delphine Wigger
Das Format Meet the Artists bietet Ihnen die Gelegenheit, in der Ausstellung die Künstlerinnen kennenzulernen und mit Ihnen über Ihre Arbeiten zusprechen.

In meiner Arbeit beschäftige ich mich mit Themen wie Feminismus, Sexualität, Nostalgie sowie der Jugend und Kindheit. Ich arbeite viel mit Schrift in der Malerei und lasse mich diesbezüglich von Tagebucheinträgen und Notizen aus meiner Teenager-Zeit inspirieren. Auch die Motive, die in meinen Bildern vorkommen, haben ihren Ursprung häufig in Skizzenbüchern aus meiner frühen Jugend oder in Objekten, die mir in meiner Kindheit wichtig waren. Diese Motive übersetze ich teilweise auch in andere Medien, wie zum Beispiel Fotografie, Installation oder skulptural in Bronze.

Website: www.delphinewigger.de
Instagram: @Maitreboulanger

Malerei ist eine Sprache, die ich spreche und mit der ich die Welt beschreiben kann, wenn auch oft nur umständlich und über Umwege. Der rote Faden, der sich durch die Arbeiten zieht, ist die Suche nach etwas Flüchtigem, Unbestimmbaren, das sich der Kontrolle entzieht, um manchmal auf unerwartete Weise aufzuscheinen. Es gibt eine Erzählung ohne Anfang oder Ende. Allerlei von Einflüssen und Referenzen haben an meiner Arbeit Anteil und das Malen selbst dient auch der Archivierung oder Ordnung der Bilder von damals und heute. Jedes meiner Bilder verstehe ich als fragmentarisch, ausschnitthaft; Elemente werden immer wieder neu aufgegriffen und eingearbeitet, sodass sich die Entwicklung eines Themas meist über dutzende von Bildträgern erstreckt. Verhandelt werden Fragen von Einsamkeit und Nähe, Liebe und Distanz, nach physischer und psychischer Gesundheit, ohne eine Antwort oder direkte Lesbarkeit vorzugeben. Es geht in ihnen auch um den Balanceakt unterschiedliche, zum Teil dem Anschein nach widersprüchliche Gedanken, Gefühle und Ideen miteinander sinn- und identitätsstiftend zu verbinden.

Ich arbeite in den Bereichen Malerei, Skulptur und Installation. Meine Praxis ist geprägt von Erfahrungen räumlicher und geografischer Verschiebung, aus denen ich eine periphere Perspektive entwickelt habe, die mich für strukturelle Fehlanpassungen und Instabilität sensibilisiert. Häufig arbeite ich mit umfunktionierten urbanen Fragmenten und architektonischen Bauteilen und entwickle daraus Konstellationen, die von Spannung und Verschiebung geprägt sind. Über das Reibungsverhältnis zwischen Materialien untersuche ich, wie alltägliche Strukturen Zugang, Bewegung und Sichtbarkeit regulieren. Durch Aufhängemechanismen und fragmentierte Formen erzeuge ich einen instabilen Rhythmus des Betrachtens – in dem Ungewissheit zu einem fortdauernden Zustand wird.

In meiner aktuellen Praxis entfaltet sich Malerei für mich als ein Mechanismus des Erscheinens. Ich arbeite mit Baugips und wiederverwendeten Fragmenten aus dem urbanen Umfeld und bringe sie auf die Leinwand – als strukturelle Bedingungen, die den Fluss von Material filtern, verzögern, umlenken oder unterbrechen. Mich interessiert, wie Materialien innerhalb solcher Rahmen reagieren – wie Bewegung, Ablagerung, Absorption und Bruch zur Bildentstehung beitragen und den Rhythmus des Betrachtens prägen. Diese Bilder entstehen allmählich durch wiederholte Begegnungen mit dem Material – manchmal durch Verschiebungen, die aus Widerstand entstehen, manchmal durch eine subtile Unbestimmtheit. Ich erfahre die Oberfläche als eine atmende Membran, die Spannung und Verzögerung in sich trägt. Das Sehen gleicht weniger einer Beobachtung als einem leisen Aushandeln. Für mich entfaltet sich das Sehen langsam – in einem Feld zwischen Auftauchen und Rückzug.

www.eightfang.net
info.eightfang@gmail.com
Instagram: @eight.fang

Werkabbildungen ©Eight Fang

Ich male, weil es für mich eine direkte, intuitive Art des Ausdrucks ist – eine Kommunikation zwischen mir, der Leinwand und dem Betrachter. In mir existieren Fragmente von Gefühlen und Eindrücken, die sich nicht in Worte fassen lassen. Um sie sichtbar zu machen, bringe ich sie durch die Malerei in eine Form, die außerhalb von mir existieren kann. Meine Arbeiten befinden sich an der Schnittstelle zwischen persönlicher Erfahrung und universell menschlichen sowie gesellschaftlichen Zuständen. Sie thematisieren Identitätsverlust, Digitalität, Technologie sowie Status und Machtsymbolik. Dabei bewegen sich die Arbeiten zwischen Verführung und Verstörung – ein Spiegel unserer paradoxen Beziehung zu Macht, Medien und Selbstbild. Indem ich Körper dekonstruiere und in teils amorphe Strukturen verwandle, hinterfrage ich Vorstellungen von Individualität und Existenz. Letztendlich reflektiert meine Kunst die Ambivalenz menschlicher Beziehungen – ihre Grenzen und Zerbrechlichkeit. 

Instagram: @violadelmonte.vdm

Werkabbildungen ©Viola Del Monte

Meine derzeitige Arbeitsweise ist inspiriert von Streifzügen durch Museumsbestände. Zwischen bekannten Kunstwerken und unbekannten Artefakten suchte ich nach Manifestationen sich wandelnder Projektionen von Intimität und Gewalt, insbesondere nach deren seltsamen Überschneidungen, wenn sie unerfüllt bleiben. In meiner Arbeit mit bereits existierendem künstlerischem Material interessiere ich mich für die sozialen, kulturellen und politischen Motivationen, die den Darstellungsweisen zu einem bestimmten Zeitpunkt in der Geschichte zugrunde lagen, und dafür, wie sich diese heute in ihrer ästhetischen Funktion niederschlagen. Unter Bezugnahme auf eine kunsthistorische und literarische Vergangenheit entfaltet sich meine Arbeit im Spannungsfeld der Vorurteile und Annahmen, die Betrachter in ein erkennbares Bild hineintragen. Was geschieht mit einem Bild, wenn es dargestellt, betrachtet und von einer Abfolge voyeuristischer Blicke durchzogen wird? In meiner Arbeit mit Bildern, die als erotisch oder gewalttätig gelesen werden können, versuche ich, das Bild neu zu kalibrieren, um sowohl die Freude am Betrachten eines Körpers als auch die Schuld und Unbeholfenheit des Voyeurs einzubeziehen.

Instagram: @luanaclosca 

My current series was formulated by studying museum collections. I searched for manifestations of intershifting projections of intimacy and violence, especially their strange overlay when unfulfilled. Working with preexisting artistic material, I am interested in how these images create psychological distance or proximity to the depicted subject, and whether the anatomy of the figures carries inherent notions of power. In the process of being depicted and perceived, what happens to an image as it passes through a chain of voyeurs? The figures that populate these images exist in a state of post-gaze, revealing the remains of the body after it has been looked at. In depicting imagery that may be read as erotic or violent, I aim to recalibrate the image, to include the pleasure of watching a body at being, and to expose both the culpability and the awkwardness of the voyeur.