Wir laden Sie herzlich zur Ausstellung der Künstlerin ein, die am Freitag, den 4.09.2026, von 18 bis 21 Uhr eröffnet.

19 Uhr | Begrüßung und Ehrung von Emeli Theander durch den Vorstand

EMELI THEANDER

„Man kann nach Hause zurückkehren, solange man versteht, dass Zuhause ein Ort ist, an dem man noch nie gewesen ist.“ – Ursula K. Le Guin

Wir tragen die Räume in uns, in denen wir gelebt haben. Etwas bleibt in Räumen zurück, nachdem der Körper sie verlassen hat. Etwas bleibt im Körper zurück, nachdem der Raum verschwunden ist. Der Körper nimmt diese Dinge in sich auf, verschmilzt mit ihnen und bewegt sich in ihnen zwischen Anwesenheit und Abwesenheit.

still, not still versammelt zwei künstlerische Positionen, die danach fragen, was es bedeutet, in Räumen zu existieren, die niemals einfach gegeben sind, sich durch Umgebungen zu bewegen, die vertraut wirken und dennoch in einem wesentlichen Sinne fremd bleiben. Die Werke oszillieren zwischen dem Zweidimensionalen und dem Räumlichen, zwischen der Oberfläche, die eine Welt trägt, und der Struktur, die sie hervorbringt.

Sophia Ashraf arbeitet aus der Beobachtung heraus und bewegt sich zwischen Innen und Außen, zwischen Oberflächen, Kanten und dem Licht alltäglicher Umgebungen. Ihre Kompositionen sind bewusst reduziert, nicht um zu vereinfachen, sondern um das Konstruierte lesbar zu machen. Vertraute Räume gewinnen eine subtile Fremdheit. Die Atmosphäre schwebt zwischen Intimität und Künstlichkeit, zwischen dem Wiedererkannten und dem leicht Befremdlichen.

Eight Fang arbeitet von innen heraus, aus den Systemen, die Raum organisieren. Die Arbeit löst die Unterscheidung zwischen Körper und Objekt, zwischen Organismus und Struktur nicht auf. Sie hält beides in einer produktiven Nähe, jedes durch die Gegenwart des anderen verändert. Aus einer diasporischen Erfahrung heraus bewohnt die Arbeit eine fremde Einsamkeit, den Zustand eines Körpers, der nie vollständig angekommen ist.

Jede Position findet ihren eigenen Zugang. Sophia Ashraf arbeitet vorwiegend mit Malerei und erkundet ihre Umgebung und räumliche Wahrnehmung durch reduzierte Kompositionen aus Farbe, Fläche und Licht. Eight Fang arbeitet mit Installation und Malerei und folgt einem modularen System als materielle Sprache und kritischem Rahmen, in dem die tragende Struktur selbst Teil der Arbeit wird und das System, das die Arbeit hält, zugleich ihr Gegenstand ist. In beiden Positionen ist Raum weder stabil noch neutral. Er wird konstruiert, wahrgenommen und verinnerlicht, als gebauter Raum, als sozialer Raum, als digitaler Raum. still, not still beschreibt diesen Schwebezustand: weder vollständig still noch in Bewegung, sondern den Moment dazwischen, in dem die Dinge fortbestehen. Wo Langsamkeit die einzige Form von Intimität wird und das Vertraute immer gerade noch außer Reichweite bleibt.

Ashraf | Fang

BEGLEITPROGRAMM

Freitag, 26.6.2026
18:30 Uhr Führung mit Sophia Ashraf, Eight Fang und Cora Waschke durch die Ausstellung
19:30 Uhr Performance von Eight Fang: „Tie Gee“ mit Shar Adams, Nana (Annalise Van Even), Rafael Garcia Jaramillo und Eight Fang

„You can go home again, so long as you understand that home is a place where you have never been.“ U. K. Le Guin

We carry the spaces we have lived in. Something persists in spaces after the body has left. Something persists in the body after the space is gone. The body absorbs these things, merges with them, shifts between presence and absence within them. still, not still brings together two practices that ask what it means to exist inside spaces that are never simply given, to move through environments that feel familiar yet remain, in some essential way, foreign. The works oscillate between the two-dimensional and the spatial, between the surface that holds a world and the structure that produces it.

Sophia Ashraf works from observation, moving between interior and exterior, between the surfaces, edges, and light of everyday environments. Her compositions are deliberately reduced, not to simplify, but to make the constructed legible. Familiar spaces acquire a subtle wrongness. The atmosphere hovers between intimacy and artificiality, between the recognized and the slightly estranged.

Eight Fang works from within the systems that organize space. The work does not resolve the distinction between body and object, organism and structure. It holds them in proximity, each altered by the nearness of the other. Drawn from a diasporic experience, the work inhabits a foreign solitude, the condition of a body that has never fully arrived.

Each practice finds its own entry point. Sophia Ashraf works primarily through painting, exploring her surroundings and spatial perception through reduced compositions of color, surface, and light. Eight Fang works with installation and painting, following a modular system as both material language and critical framework, in which the underlying structure becomes part of the work itself, and the system that holds the work is also what the work is about. Across both practices, space is neither stable nor neutral. It is constructed, sensed, and internalized, whether as built space, social environment, or digital space. still, not still describes that suspended state. Neither fully still nor in motion, but the moment between the two where things persist. Where slowness becomes the only form of intimacy, and the familiar always remains just out of reach.

Ashraf | Fang

Sie können die Künstlerinnen auch im Laufe der Ausstellung treffen:

Samstag
12-15 Uhr Sophia Ashraf
15-18 Uhr Luana Cloșcă

Sonntag
12-15 Uhr Delphine Wigger
15-18 Uhr Eight Fang

Wir freuen uns auf Ihren Besuch!

Der „Pas de Deux“ bezeichnet im klassischen Ballett ein Duett, das meist den zentralen Moment des Stücks bildet. Die Ausstellung überträgt die Bezeichnung auf das Zusammenspiel zweier Positionen, die sich entlang der Figurationen in den Räumen der Galerie entfalten. Es entsteht eine eigene Dynamik, getragen von voneinander abweichenden und zugleich synchronen Bewegungen im Bildraum. Das Verhältnis der beiden Positionen bleibt bewusst offen. Nähe entsteht durch Gleichzeitigkeit, nicht durch Übereinstimmung; Differenzen werden nicht nivelliert, sondern ausgestellt. Beziehung erscheint hier weniger als Harmonie denn als Spannungszustand zwischen eigenständigen Setzungen. „Pas de Deux“ bezeichnet damit keine choreografierte Einheit, sondern zwei sich separat entfaltende Malweisen im selben Raum. Das Verbindende liegt im Nebeneinander und Gegenüber, im Dazwischen und in der Möglichkeit, Zusammenhänge wahrzunehmen, ohne sie festzuschreiben.

Die Malerei von Viola Del Monte bewegt sich zwischen Nähe und Distanz, zwischen Sehen und Gesehenwerden, und untersucht die Ambivalenz menschlicher Zustände in unterschiedlichen Zonen der Wahrnehmung. Ausgehend von der industriellen Glätte von Luxusobjekten und der fragilen Materialität des Körpers entstehen Bildräume, die zu Projektionsflächen werden. In der Black Series wird beispielsweise die Karosserie des Autos zum Konstrukt eines verdichteten Interaktionsraums.Synthetische Glätte, malerische Materialität und prozessuale Bildhandlung oszillieren zwischen

Oberfläche und Tiefe und verschieben dabei fortlaufend die Perspektive auf das Dargestellte.

In den Bildern von Nele Napiwotzki sind Akteure aus der Commedia dell’arte und anderer Kapitel der Bildgeschichte sowie Anspielungen auf verschiedene märchenhafte Erzählungen zu sehen. Neben den Darstellungsweisen einzelner Figuren und Figurenkonstellationen richtet die Künstlerin ihr Augenmerk auf Ornamente, die sich in Kleidung und Stoffen, Landschaften und Dekorationen der ‚Theaterbühnen‘ ihrer Protagonisten finden. Nicht zuletzt sind es Momente des Schwebens, welche die ruhigen Malereien wie Traumbilder einer vergangenen Zeit erscheinen lassen.

Del Monte | Napiwotzki

Begleitveranstaltung

29. April. 18 Uhr | Führung mit Viola del Monte, Nele Napiwotzki und Cora Waschke

Today you will be with me in paradise*

Wollen wir noch einen Moment bei meinem Versprechen verweilen und bei dem, was ich zu bieten habe? Es besteht aus allem Begehrenswerten – nackt, jung und schön – das nichts anderes zu tun hat, als Ihre Augen zu erfreuen. Geschwungen und sinnlich, kostbar, ewig liegend. Das wahre Paradies, dem es nie an Potenz mangelt. Es gibt diese Version des Paradieses, die man nur in der Abwesenheit findet. Kein Leid, kein Mangel, keine Krankheit, kein Konflikt. Keine Menschen, keine Objekte, kein Geschlecht. Es gibt diese Version des Paradieses, die ewig still ist – keine Zeit, kein Ort, keine Bewegung: Unbestimmtheit. Und es gibt jene Version des Paradieses, in der das Licht gedimmt und die Bettwäsche frisch ist. Und ein schöner, junger Prinz verirrt sich im Wald. Ganz allein und so jung und schön. Und wie schade, dass niemand da war, um ihn zu finden, niemand, um ihn zu sehen, niemand, um ihn zu beobachten.

Im Kern ihrer jeweiligen malerischen Praxis setzen sich Luana Cloșcă und Delphine Wigger mit den Mechanismen des Begehrens auseinander. Ob es sich nun um Machtstreben oder Erotik handelt, beides unterstreicht eine zirkuläre Struktur: Die ästhetische Form projiziert Begehren auf den Betrachter, während dieser gleichzeitig seine eigenen Wünsche auf die Form zurückprojiziert.

Luana Cloșcă wendet sich der Figur zu und verweist auf eine kunsthistorische und literarische Vergangenheit. Die Erfüllung ihres Werks liegt in den potenziellen Vorurteilen und Annahmen, die ein Betrachter einem erkennbaren Bild entgegenbringt.

Delphine Wigger hingegen lädt Objekte und Sprachfragmente mit einer subtilen erotischen Provokation auf und konzentriert sich auf Objekte, deren einzige Funktion darin besteht, Erfolg zu signalisieren, anstatt einem praktischen Zweck zu dienen.

Die formale Zurückhaltung beider Praktiken erzeugt zusammen mit ihren räumlich minimalistischen Kompositionen eine unterschwellige Spannung. Das in den Werken verstreute erotische Potenzial tritt weder unmittelbar noch explizit zutage; vielmehr wirkt es als Projektion, geprägt von überlieferten Tropen des Sinnlichen in der Geschichte von Literatur und Bildgestaltung.

Cloșcă | Wigger

* Lukas 23:42

BEGLEITPROGRAMM

Fr., 27.2., 18 Uhr | Führung durch die Ausstellung
mit Luana Cloșcă, Delphine Wigger und Cora Waschke

Fr., 4.3., 18 Uhr | Viola-Konzert
mit Anna Jurriaanse

Fr., 6.3., 18 Uhr | Finissage mit Lesung
mit Milana Alaro, Maria Persu und Irina Tacu. 

Fotos: Cora Waschke
© DKS

Today you will be with me in paradise*

Can we linger a little longer on my promise, and on what it is that I can offer? It is made of all things desirable – bare, young, and beautiful – with nothing to do but appease your eyes. Curved and sensual, precious, ever-laying. The precise paradise that never lacks in potency. There is this version of paradise that you can only find in absence. No suffering, no scarcity, no disease, no conflict. No objects, people, no gender. There is this version of paradise that is ever still – no time, no place, no movement: non-specificity. And there is that version of paradise where the lights are dim and the bedsheets clean. And a young, beautiful prince gets lost in the woods. All alone and all so young and beautiful. And what a pity there was no one to find him, no one to see him, no one to watch him.

At the base of their painterly practices, both Luana Cloșcă and Delphine Wigger engage with the mechanisms of desire. Whether the urge is one for power or eroticism, they underline a circular structure: aesthetic form casts desire onto the viewer – while the viewer simultaneously projects their own desires back onto the form.

Luana turns to the figure, referencing an art-historical and literary past, locating the fulfillment of her work in the potential biases and assumptions a viewer brings to a recognizable image.

Delphine, by contrast, charges objects and linguistic fragments with a subtle erotic provocation and focuses on objects whose sole function is to signal achievement rather than to serve any practical purpose.

The formal restraint present in both practices, together with their spatially minimal compositions, generates a muted tension. The underlying erotic potential scattered throughout the works does not surface immediately nor appear explicitly; rather, it operates as a projection shaped by inherited tropes of the sensual within the histories of literature and image-making.

Cloșcă | Wigger

* Lucas 23:43

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Meet the Artists: Fr., 21.11.2025 | 15 – 19 Uhr | mit allen Stipendiatinnen 2025/2026
Meet the Artists: Mi., 10.12.2025 | 16 – 19 Uhr | mit Viola Del Monte & Delphine Wigger
Das Format Meet the Artists bietet Ihnen die Gelegenheit, in der Ausstellung die Künstlerinnen kennenzulernen und mit Ihnen über Ihre Arbeiten zusprechen.

Ergänzt wird die Ausstellung ECHO durch Malereien aus Konwiarz’ Studienzeit an der HfbK (heutige UdK Berlin) und Bühnenbildentwürfe für die populäre Fernseh-Quizsendung Der Große Preis (1974–1992).

Kuratiert von Cora Waschke

Fotos: 1–14 | Christoph Petras | PR-Bild | © DKS
15–43 | CW © DKS
44, 45 | © Fabian Schubert

Dorothea Konwiarz (1932–1999) entschied früh, Malerin werden zu wollen. Gegen den Willen ihres Vaters und ohne jede finanzielle Unterstützung begann sie ihre künstlerische Ausbildung an der Meisterschule für das Kunsthandwerk in Berlin. Aus dieser Zeit ist eine Zeichenmappe mit Körper- und Faltenstudien erhalten. 1953 wechselte Konwiarz an die damalige HfbK Berlin (heute UdK), wo sie vor allem Bilder von Frauen in Tempera oder Kaseinfarbe auf Papier im Stile von Karl Hofer (damaliger Universitätsdirektor und Professor), Paul Gauguin oder Henri Matisse schuf. In den sechziger Jahren gestaltete sie zahlreiche abstraktere, teilweise surreal anmutende Darstellungen von mythologischen Orten, Landschaften und Vögeln aus Tusche und Aquarell. Eine herausragende Werkgruppe entstand 1977/78, in der Konwiarz in grellen Farben und psychedelischer Formensprache ihr traumatisches Erlebnis als Passagierin der entführten Lufthansa-Maschine Landshut und der Befreiung in Mogadischu verarbeitete. Zuletzt wendete sich Konwiarz abstrahierten Landschaftsdarstellungen in lichten Farben zu, von denen einige auf ihre Aufenthalte auf Mallorca, andere auf denen in einer Krebsklinik zurückgehen. Das auf einer großformatigen Holzplatte angelegte Tempera-Bild „Garten Eden“ von 1998 bleibt unvollendet.

Meine abstrakten Bilder und ihre geometrischen Formen haben einen eigenen Körper. Die Bilder erscheinen nicht flach, sondern wirken wie Objekte im Raum – oder wie ein physisches Gegenüber. Farbe spielt für mich dabei eine räumliche, geradezu skulpturale Rolle. Gleichzeitig ermöglicht die im Prozess entwickelte Malerei dem Betrachter ein vielseitiges, mehrdimensionales Erleben. Über einen monatelangen Zeitraum entstehen vielschichtige und stofflich präsente Gemälde: ich konstruiere und verwerfe, übermale oder trage Farbe ab. Über Konstruktion und Dekonstruktion gelange ich zu einer Einheit von Form, Farbe und Material. Der schrittweise Arbeitsprozess wird für den Betrachter zugleich sichtbar gemacht: Beschwingte Linien, versetzte Farbflächen und Verläufe von Arbeitsspuren leiten den Blick durch die Bildebenen.

Marta Djourina untersucht Lichtphänomene auf analogem Fotopapier, wobei Licht als Thema, Werkzeug und Untersuchungsgegenstand dient. In ihrer fortlaufenden Werkreihe großformatiger Unikate verwandelt sie das Fotolabor in eine Bühne für performative Lichtgesten, bewegt sich mit verschiedenen Lichtquellen von Ecke zu Ecke und beschreibt die gesamte Bildfläche des Fotopapiers von bis zu 6 m x 1,83 m. Sie kombiniert fotografische und malerische Gesten, um das Verborgene sichtbar zu machen und flüchtige Momente zu fixieren. Ihr Ansatz vereint Langzeitbelichtungstechniken und spontane Lichtinteraktionen, schafft ein Gleichgewicht zwischen Präzision und Unvorhersehbarkeit und verwandelt ihre Bewegungen in visuelle Spuren, wodurch sie Fotografie als körperliche Performance neu definiert.

In ihrer Arbeit untersucht Carola Ernst die Grenzen der Wahrnehmung. Ihre künstlerische Praxis bewegt sich zwischen Malerei, Zeichnung und Installation – multimedial und interdisziplinär. Ihre Malereien/Zeichnungen loten die Übergänge zwischen Realität, Vorstellung und Imagination aus. Wissenschaftliche Impulse erhält sie aus der Psychophysik und den Neurowissenschaften – insbesondere zu Fragen des Bewusstseins und der Wahrnehmung. Traumhafte Zustände, emotionale Verdichtung und Erinnerungsfragmente prägen ihre Werke. Das Zusammenspiel verschiedener Realitätsebenen steht dabei stets im Mittelpunkt ihres künstlerischen Denkens.

Fee Kleiß künstlerischer Ansatz ist geprägt vom Interesse an Transformationsprozessen und dem Umgang unserer Gesellschaft mit der großen Anzahl an Dingen, die durch den menschlichen Drang, Materie irreversibel umzuwandeln, entstehen. Sie sammelt und archiviert Überschüsse dieser Metamorphosen, die konsumiert und oft schnell entsorgt werden. Sie baut industrielle Gegenstände zu künstlichen Naturmodellen um, inspiriert von Wachstumsprozessen von Pflanzen, Pilzen, Algen und Flechten. Dabei entwickelt sie komplexe Techniken mit einfachen Materialien, etwa Kleidung, die sie im Raum ausdehnt und mit Knochenleim aushärtet. Pigmente im Material sorgen für Stabilität und Farbfelder im Raum. Die dabei entstandenen Objekte tauchen wiederum in ihren Bildern auf. In der Fläche nutzt sie klassische Maltechniken wie Eitempera, um Fragmente aus ihrer Bilddatenbank zu kopieren, mit denen sie seit zwanzig Jahren in Künstlerbüchern arbeitet. Besonders Auszüge aus Angebotsmagazinen von Discountern malt sie in mehreren Schichten als Trompe-l’œil-Stillleben, Ikonen gleich. Neben Malerei und Skulptur/Installation arbeitet sie auch mit Collagen und neuen Medien.

In den Arbeiten von Kerstin Podbiel werden Störungen von Systemen untersucht und beleuchtetet. Vor allem geht es um Denkprozesse, die zum negativen Handeln führen. Hierbei werden vordergründig die Zwischennuancen betrachtet. Was können die Auslöser negativen Handelns sein? Was passiert, wenn z. B. Schwarz und Weiß aufeinandertreffen – was geschieht da in diesen Grenzsituationen? Im Anschluss wird versucht, die Ergebnisse dieser Untersuchungen bildnerisch umzusetzen.  Die Arbeiten besitzen deshalb stets eine konzeptionelle Grundlage. Die typischen Strukturen werden auseinandergenommen und künstlerisch wieder neu zusammengesetzt. Verschiedene Disziplinen greifen ineinander über. Meist werden Installationen geschaffen, welche aus malerischem Film, Performance, Skulptur, Zeichnung, und Malereibestehen. Die Arbeiten sind ebenso abstrakt wie bildnerisch und haben bei aller Offenheit für Assoziationen häufig in mehrfacher Hinsicht als Grundthema die Zerissenheit.

Meine Arbeit erkundet die Grenze zwischen dem Realen und dem Imaginären – ein Ort, an dem sich Erinnerung, Mythologie und Träume miteinander verweben. Durch Malerei und Zeichnung konstruiere ich visuelle Erzählungen, die in einem Zwischenraum angesiedelt sind, bevölkert von hybriden Wesen, gespiegelten Selbstbildern und wandelbaren Identitäten. Ich versuche, das Wilde und mitunter Unheimliche zu bändigen und zu kontrollieren und so einen Raum für emotionale Zustände zu schaffen, die sich einer einfachen Kategorisierung entziehen. Eine Art mentale Safari durch psychologische Landschaften – meine Gemälde ähneln botanischen Gewächshäusern: Umgebungen, in denen das Ungezähmte innerhalb eines kontrollierten Rahmens existieren und ruhen kann. Ich arbeite vorwiegend mit traditionellen Materialien – Öl, Graphit, weiche Pastelle – und bevorzuge zarte Linien neben pastösere Texturen, die die Zerbrechlichkeit oder Raue der von mir dargestellten Themen widerspiegeln. Das Sujet des ‚Mutter sein‘ und dessen teils widersprüchlichen Facetten spielen in letzter Zeit eine größere Rolle in meiner Arbeit. Der Bogen vom Kind- zum Erwachsensein faszinieren mich – heimgesucht durch die Fragen über das Ich. 

Nouchka Wolfs Werk, von einer dunklen, teils obszönen Komik durchzogen, zeigt die Welt und ihr Personal als Versehrte, ausgeliefert der Grausamkeit der Psyche, den Beschränkungen des Körpers, der Komödie der Sterblichkeit. Im Zentrum der Arbeit steht die Malerei, in Eitempera diversen Materialien aus historischer Praxis und Haushalt (wie Blut, Berliner Blau, Natron, Säuren, Harze, Rotkohl, Kakao…) auf Leinwand. Die Settings der Bilder sind oft karg, verlorene Figuren vor wüster Landschaft unter Himmeln aus ungesundem Licht reißen Witze, man tendiert zum Galgenhumor.

Texte © bei den Künstlerinnen

Am Samstag, den 12. Juli 2025, von 16 bis 20 Uhr feierte die Dorothea-Konwiarz-Stiftung ihr 25-jähriges Bestehen mit einem Sommerfest und Ausstellungen in den Stiftungsräumen.

In Erinnerung an ihren eigenen herausfordernden Weg als Künstlerin verfügte Dorothea Konwiarz in ihrem Testament die Gründung einer Stiftung. Am 29. Mai 2000 wurde der Dorothea-Konwiarz-Stiftung der Status einer gemeinnützigen Fördergesellschaft erteilt.
Der Stiftungsgedanke besteht zum einen in der Würdigung des Lebenswerkes der Stifterin durch Bewahrung und gelegentliche Präsentation ihrer nachgelassenen Bilder und zum anderen in der Vergabe von Stipendien an junge Malerinnen. Für ein Jahr erhalten die Stipendiatinnen finanzielle Unterstützung und können in der stiftungseigenen Galerie ausstellen. Seit der Gründung der Stiftung bis zum Jahr 2025 wurden 150 Künstlerinnen gefördert.

Dorothea Konwiarz’ Vermächtnis, die Arbeit der Stiftung und die Künstlerinnen sollen gefeiert werden! Aus diesem Anlass zeigt die Stiftung in mehreren Ausstellungsräumen Malereien, Zeichnungen und Bühnenbild-Entwürfe ihrer Stifterin Dorothea-Konwiarz zusammen mit den Werken ehemaliger Stipendiatinnen.

ECHO – Jubiläumsausstellung

Clara Brörmann, Marta Djourina, Carola Ernst, Fee Kleiß, Kerstin Podbiel, Emeli Theander, Nouchka Wolf & Dorothea Konwiarz

16. Juli bis 17. Oktober 2025

Eröffnung 12. Juli 2025, 16 bis 20 Uhr

>> REDEN

Ab 17 Uhr sprachen Malte Monjé und Dr. Cora Waschke vom Stiftungsvorstand, Herr Prof. Dr. Markus Hilgert, Präsident der Universität der Künste Berlin und Frau Dr. Angelika Richter, Präsidentin der Weißensee Kunsthochschule Berlin.
Ab 19:00 Uhr fand ein Konzert der Alumna Jane Garbert statt.

Anlässlich des Jubiläums erschien ein Buch über die Stiftung, das auf der Feier auslag.

25 Jahre Dorothea-Konwiarz-Stiftung

mit Texten von Carola Ernst, Jane Garbert, Malte Monjé, Solveig Schmid, Cora Waschke (Hg.) und Interviews von Thorsten Jantschek

Berlin 2025
80 Seiten, 55 Farbabbildungen
ISBN 978-3-00-082869-0

Bei Interesse an dem Buch melden Sie sich gerne. Wir freuen uns im Gegenzug über eine Spende an die Stiftung.

Unsere Jubiläumsfeier war wundervoll! Ein großer Dank an alle, die daran mitgewirkt und teilgenommen haben. Toll, dass so viele Menschen aus den verschiedenen Phasen der Stiftung dabei waren: aus der Gründungszeit, über die Umbruchszeit bis in die Gegenwart.

Es gab ein Wiedersehen mit und zwischen ehemaligen Stipendiatinnen. Wir freuen uns, dass ihr uns verbunden bleibt! Unterstützerinnen der Stiftung kamen, Verbündete in Geist und Tat: Künstlerinnen, Professorinnen, Stiftungsleute, Ausstellungsmacher…, es kamen Interessierte, Nachbarn, es kamen Freundinnen!

Danke an Dr. Angelika Richter (Präsidentin der Weißensee KH Berlin) und Prof. Dr. Hilgert (Präsident der UdK Berlin) für die engagierten Reden, in denen Sie hervorgehoben haben, wie bedeutend das Dorothea-Konwiarz-Stipendium für die Künstlerinnen ist!
Dank an die Presse, für das erweiterte Sichtbarmachen unserer Arbeit!
Dank an die Autorinnen, Lektoren und Gestalter unseres Buches!
Dank an die ausstellenden Künstlerinnen!
Vor allem Dank an Dorothea Konwiarz, die es ermöglicht hat, dass seit der Stiftungsgründung im Jahr 2000 bis heute 150 Künstlerinnen gefördert werden konnten.

Als Stiftung denken wir für die Ewigkeit. Wir sind gespannt auf alle kommenden Künstlerinnen, Ausstellungen, Besucher und Begegnungen in der Zukunft!

>> Pressemitteilung

„Der Titel der Duo-Ausstellung 2 u von Emil Urbanek und Anna Raoh spannt einen formellen Bogen zur Gruppenausstellung 4 Doro des Förderjahrgangs 2024/25. Das Ersetzen von Satzteilen durch gleich klingende Zahlen oder Buchstaben, auch homophone Abkürzung genannt, spielt mit der inhaltlichen Intensität einer Nachricht und kann bei der Übermittlung von Emotionen als Codierung verwendet werden. Ähnliche Mechanismen interessieren Raoh und Urbanek in ihren malerischen Positionen. Narrative und Emotionen werden zu Bildern, die eine eigene Sprache sprechen und in Dialog treten.

In Emil Urbaneks Arbeiten finden Wesen, Früchte und Figuren zusammen. Sie gehen den sensiblen Moment einer Begegnung ein, in dem Unsichtbares verhandelt wird. Dabei interessiert Urbanek die Nichtlinearität von Annäherung und das Innehalten. Die Darstellung der Szenen befindet sich auf der Schwelle zwischen den scharfen und sanften Konturen von Erinnerung und Vorstellung. In einer seltsamen Ruhe sind die Formen klar zu erkennen sowie deren Auflösung in schemenhafte Verläufe und zerstreute Körnung.

Anna Raoh beschäftigt in ihrer Arbeit das Wechselspiel von Nähe und Distanz, von Sich-Zeigen und Verstecken. Das spiegelt sich auch in den Gegensätzen ihrer Motive sowie den verwendeten Techniken wider: durchscheinende Ölfarbe – in dünnen Schichten auf- und wieder abgetragen, grobe Kohlezeichnungen, deckende Acrylfarbe, verschwommene Drucke. Sie zeigt Zwischenzustände, in denen sich Objekte voneinander absetzen und ineinander zerfließen, Stillstand und Bewegung zugleich stattfinden können. Fragmente einer Geschichte werden durch den Bezug auf der Künstlerin vertraute Orte und Erinnerungsräume erzählt.

Gemeinsam öffnen Anna Raoh und Emil Urbanek einen Raum der Auseinandersetzung mit Erinnerung und spielen mit dem Übergang von Realem zur Vorstellung. Harte Kanten treffen auf weiche Wesen in Welten, die nicht klar verortbar sind, die sich wie ein Traumbild nur kurz zeigen, um sich im nächsten Augenblick wieder aufzulösen.“

Fotos: 1–10, 12, 13, 15 © dotgain.info

Bonnie Barth beschäftigt sich in ihren Serien mit der Aneignung einer bestimmten dekorativen Ästhetik, die sich aus Kitsch und dem in Lifestyle-Magazinen vermittelten ‚Ideal‘ speist. In den Malereien aus Nagellack auf Schaumstoff spielt die Künstlerin mit klassischen Sujets, deren Motivik sie verfremdet und von konnotativer Bedeutung entlädt. Über die derart geschaffene Oberflächlichkeit wird ein medialer Aspekt der Malerei reflektiert, insofern diese die flächige Imitation eines Gegenstandes darstellt.

Aisha Altenhofens Serie Right Writing befasst sich mit der Instabilität von Text und Bild sowie den Mechanismen, durch die sie Bedeutung erzeugen und wieder entziehen. Die Malereien aus dünnen Farbschichten und fragmentierten Formen arbeiten mit der De- und Rekonstruktion von Text. Altenhofens Arbeiten greifen den menschlichen Reflex auf, Sinn in Zeichen zu suchen. Sie entstehen aus einem Interesse an Autorität, Manipulation und widersprüchlichen Narrativen.

Zusammen präsentieren die beiden Künstlerinnen eine Ausstellung, in der sie die Wechselwirkungen zwischen visuellen und sprachlichen Codes innerhalb und zwischen ihren Arbeiten erforschen. Ihre Werke hinterfragen, wie Bedeutung durch Kontext, Oberfläche und Interpretation ständig neu geformt und destabilisiert wird.

Fotos 1–4, 7: ©Roman März
Fotos 5,6, 8–13: ©Julian Blum